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文字整理：古朴、钱丹
各位摄友晚上好，我是储楚。非常感谢浙江摄影出版社、浙江摄影家协会以及相关部门为这次分享会做了很多工作，也把这本书推荐给大家。今天我在这里做我最近出版的这本《摄影启示录》的导读活动。
这本书《摄影启示录》是我在十年前就写好了，今天才得以出版，它集合了我摄影十几年以来，关于我对于艺术，阅读关于心理学的书、哲学的书、诗歌、油画、诗集、科学等等，它跟摄影之间关系的组合，我用四个月的时间把这本书写完。这本书非常薄，总体来说可以概括为：“短、精、薄”。一共141页，但它涵盖了科学、哲学、美学、心理学、诗歌、戏剧学，涉及到了各类文科和摄影之间的关系。这本书非常精妙，每个章节大概是2000字左右，我们可以拿着这本书去出差，或者放在床头，可以随意的拿起来看一篇。我把这个书推荐给大家，希望大家可以从中学到自己没有的东西。
我先把有关这本书的一些照片先发出来，大家可以看一下。
首先我介绍一下封面，这个封面用了我去年创作的作品，它是一个影像和书法结合的作品，图中可以看到背景隐隐约约的影像，拍摄的是植物园中的竹林，在风中飘动的竹林。但是，看不清竹子，当时我拍了好几张，有虚焦的，有实焦的，后期用叠像的方法做了一个影像的处理，仿佛看到竹林里有一个空间在流动着，竹子随风而飘。像中国画里面，中国文人的意境。竹子代表着中国人，文人的一种高贵品格，坚韧不拔，不屈不挠，一种士大夫的精神。
我在摄影影像作品上，用行云流水的行草书写唐代孙过庭的书谱和法国的哲学家包德利亚的一个哲学。我是想让中国唐代书法和西方哲学产生一种碰撞，显出这件作品的张力，它看上去非常具有一种东方的意境，但它从里边传达的出来的又是非常哲理性的。其实我们中国在魏晋南北朝的时候也有关于玄学，关于清谈，这样一种思辨的精神在里面，那也是我想传达的一个思辨的精神。那么这个《摄影启示录》我想传达这种思辨的精神，具有东方意境的一种思辨精神，所以我觉得这个作品用我这个作品作为封面是非常的恰当的。
接下来给大家再放几张照片，是关于这本书的一些目录，然后我将分享一下这本书具体说了些什么。
这个导读会，我主要分以下几部分：
第一部分，给大家做一个简短的介绍；第二部分，详细的介绍几篇是怎么写的，传达了什么内容；第三部分，给大家看一下我今年做的两个短片，一个是影像摄影和绘画的结合，另一个是影像和书法的结合。很多摄友现在也在拍短片，也在做一些影像与书法绘画相结合的尝试，这也是今后艺术的一个大的趋势和方向，在这里我把经验、过程方法分享给大家。最后，希望大家能够关注我做的小红书和我的公众号，上面经常会有一些展览、评论和我的作品等等之类的信息。
大家手头上有这本书的，可以打开，没有的可以看一下我发的图片上面的目录，上面是我做的一些备注，也是一个简单的标题性的概括，这本书一共分七大章节。
第一章是从一张照片去分析它引发的一些核变，辐射的意义。一张照片的拍摄手法，比如俯视或仰拍的等等，都是摄影师想要告诉我们的，他为什么要这样拍而不那样拍？他为什么要用仰视而不用俯视？他为什么要用彩色而不是黑白？那么我就是从一张照片来告诉大家，我们是怎么样看这张照片，它里边透露出的各类的信息，我们怎么样去分析，怎么样去读。所以，第一章就是从一张照片它所包含的意义出发，我把它分为了9个小节。
第1小节，它是从历史来导读这张照片。
第2小节，是一个社会学的导读摄影。
第3小节，是从美学的角度来考察摄影的画面怎样是美的，怎样是不美的，所以我们也需要拥有美学的知识。
第4小节，是从心理学的视角去看待摄影和心理学的关系，也是我这次要分享的重点。
第5小节，有些摄影作品使用非常大胆的手法去拍摄，也是心理学的运用。
后面几节，分别从电影学、光学或者是光的感受力，再从音乐、生物学表达跟摄影之间的关系，摄影怎么样吸收这些学科的一些观念来进行创作。
第二章讲错觉摄影。错觉摄影也是我研究生毕业时的论文。2004～2007年，我在中国美术学院读新媒体专业的研究生，这篇文章更具有一些专业性。是从错觉去研究摄影。这章分了7节，主要从视觉的错觉、时间的错觉和空间的错觉，三个方面怎么样界定错觉的等等，包括后面关于错觉展开的定义。
第三章是讲摄影史有关的探讨问题。我们常常会把一个摄影家给分类界定，他是做观念的、风光的或是纪实摄影等等，这就是摄影家族的矛盾。我从这几个方面去探讨摄影史。
这章分为5个小节，讲到了纪实摄影和绘画的关系；会意摄影和摆拍之间的关系；设计在摄影中怎样运用；讲瞬息抓拍，不需要考虑工具，讲的是街拍摄影、纪实摄影、新闻摄影等等之类的瞬息抓拍，怎么样进行街头瞬息抓拍，它的意义在于什么；第5小节讲我们很多人是做暗房后期的，或者是数码摄影的电脑图片后期的。
第四章是要考察摄影的一些内置的东西，摄影还具备的心理学的、哲学的、美学的等一些其它的知识。那么摄影的内置是什么？这里分了8小节来告诉大家。一个摄影师的这张照片和另外一个摄影师的这张照片，他们同样是拍人，拍女人，或者是拍花什么的，他们的区别在哪儿？他们主要的核心在哪儿？这样一步一步分着去讲的内置的力量和外置的力量。包括女人和男人对于空间和时间的把握，在摄影上有怎么样的区别，怎么样的作品女人更有直觉，你用左眼拍还是右眼拍。
第五章也讲到了摄影史，这本书的内容是相互交叉的，不是说我上面讲一就是一，下面讲二就是二，其实是一里面包括二，二里面也是包括一的。摄影有意思的是，为什么我们要去拍照，它既是整个世界的一个镜子，又是你自己的一个镜子。是主体对象和客体之间关系的一个镜子，也是为什么大家都喜欢去拍照的原因。我讲到惊世绝恋200年，大家也许看过《吸血鬼》这个电影，那么摄影史是1826年，法国的一个贵族尼埃普斯发明了摄影，到现在近200年了。然后讲到做摄影的人是怎么样的，贵族和平民，美国精神，日本，玩命的一群摄影人等等，5个小节。
第六章讲大家都在做摄影，摄影如果作为艺术，艺术是被欣赏的，也可被收藏的。那么摄影作品它是怎样来变现的，我用4个小节来讲。
最后一章，我们讲拍照准备好了吗？他是对于前面几个章节的汇总或总结。也会讲到一些摄影的意见，然后还会涉及到星座和摄影器材控的一些关系，也是比较生动比较风趣的。
140多页这么一本薄薄的书，里边涵盖的内容是非常之多，要好好的读完这本书，还是需要花费很大的时间。有些地方可能不懂，那么可以去百度一下。就会觉得原来是这样的，会有很多的领悟。所以我希望这本书能够提升大家对于摄影的理解，对于整个世界，会从另外一种更有意思的角度和眼光去看待，然后拍出更好的作品。
接下来我们具体讲这四个方面的内容。
首先，有书的朋友可以翻到13页，第三章的第4节“心理学中的视觉——仰望、端详、窥视”。这节主要是从心理学上，对于仰望，仰望某物，或者端详，或者怎么样去窥视，一种心理状态来分析关于摄影这样的一个方面。
阿勃丝的三张照片于1965年第一次在纽约现代美术馆展出的时候，摄影部的管理员们必须每天清早就去擦掉观众吐在照片上面的口水。
阿勃丝是六七十年代，活跃于美国的新纪实摄影师，他拍摄的作品，不是拍摄人像，不是拍摄普通人或者拍摄美感，它是反抗主流的一种拍摄，是为了揭示一种人性，一种人性的丑陋，或是人性的其他方面。他拍摄的都是畸形的人，大家想象一下，他这样的照片放在MOMA美国现代艺术博物馆，照片放的很大很大，人们去看照片的时候，都会穿着正装，带着敬仰去看照片。这样的照片就像上帝的视角，抬头仰望去看上帝一样，就会产生一种非常厌恶的情绪。所以我在这里写道：“当心里产生这种无法抗拒的感觉时，恐惧的情绪便会不断的增加，扔东西、吐口水、用语言吐槽，都是为了掩饰这种吸引。我为什么在这里提到吸引？其实吸引就是因为他作品中的人物形象的丑陋程度，但是，这种丑陋程度又是真实的。这里所说的真实是未经乔装打扮，也没有经过后期暗房处理。照片里的人都是直直的面对着、观看着拍摄他们时镜头背后的摄影师，照片洗出来以后，他们面对的就是观众。当你在博物馆看着丑陋的人，彼此是面对的，他们是俯视你，是用上帝的眼睛来俯视你的，而你是仰望他们的。这种仰望在心理上将摄影与宗教进行类比。我这里就提到了基督教的大教堂，其实在博物馆它跟基督教的大教堂是有一种类比的。我们去教堂是为了瞻仰的，为了做礼拜，跟上帝更接近。而在博物馆，我们去欣赏作品，我们也是带着崇拜。当我们看到一种丑陋，但它又是真实的一些东西时，我们会是一种什么样的心境，什么样的心情呢？所以说，这就是阿勃丝作品的魅力所在，它是一种人性的悖论。
我在这里还提到了一个基督教的教义“原罪”感，人们是具有原罪感的，这个原罪感是什么？做未知的尝试。人类怀疑一切，做未知的尝试，所以才有了启蒙运动。人类正因为去做未知的尝试，去偷吃了苹果，所以我们才能够有了工业革命，才有了照相机，才有了这种看起来丑陋却能摆在展览馆、博物馆里的照片。展览馆、博物馆在人们心中的地位，在某种意义上接近了基督教心中的教堂，所以这就是仰望的心理学对于摄影作品如何呈现的一种悖论。
我们很多朋友看到照片不理解，其实他的作品在当时的一个状态下，它是具有特殊意义的，它既是反映了真实存在的一种人性，也是反映了我们平常生活中，怎样对美的东西去欣赏或者去认知，而对这些真实存在的假释是丑陋的东西，却忽视了它，但是，其实它也是值得尊重的。
我刚才说到了仰望，然后是端详。仰望是一种敬仰，严肃的端详是什么？就是反复的看，仔细的看。但人们不能在心理上得到一种愉悦，或者初时能够得到愉悦，然后再看后又感觉若有所失。这是一种近距离的观赏，比如说很多摄影朋友，他们特别喜欢相机，会买各种各样的相机，所谓的器材发烧友。其实他们是对“物”的喜爱，要端详它，要反复的去触摸它的感觉，就像恋人之间百看不厌，反复端详，这种感受在摄影作品里也是蛮多的呈现了平视和对视，主体和客体之间的亲密感，而不是前面所说的生疏感。
我为什么会有这样的心理学？其实摄影作品它很多东西都是跟心理学是相关的，所以我就提到了荣格。荣格创立了集体无意识论，那么集体无意识论是怎么来的？来自于每时每刻的绝对不安全感。从历史心理学上来说，人类学会了直立行走以后，就跟生物界、动物界脱离开来了。人类为了让自己能够繁衍下去，天生就有一种去做未知的尝试的潜能，也就是刚才我们说的仰望。其实黛安·阿勃丝也是做了一种未知的尝试，这种潜能也是由于安全感的先天缺失而激发的。人类是在不断的拓展这个空间，拓展自身的能力，在不断的自我否定与肯定的循环中生活的。
窥视，也是人的一种心理，我们拍照其实很多时候也是一种窥视，很多摄影师经常是趁着别人不注意的时候去拍，而那些拍到的作品往往是特别有意思的。窥视有两种，一种是对别人，另一种是对自己。这怎么样去理解？就是说对别人的窥视，我们是知道的。我在这边选了一个新浪潮的电影，安东尼奥尼指导的影片《放大》，模特儿时装摄影师托马斯在公园里休闲拍摄的时候，发现一对约会的情侣，并且拍下了他們约会的场景。托马斯不断的将照片进行放大，竟然发现了一起谋杀案。这就是窥视的摄影的作品，很有神秘感，往往是我们平时看不见的一些现象，一些人物的动作。
另外一种是自我的窥视。我这里举例了一个英国女孩叫弗朗西斯卡·伍德曼，为什么说她是一个女孩？她在24岁的时候就自杀了。正处于青春期，我们说人的青春期有两个灵魂，这两个灵魂一个是理性的，由大脑控制，另外一个是非理性的，由本能控制。人类其实一直伴随着这两个灵魂的此消彼长、相互博弈在成长。
那么青春期是第二性。首先我们生出后的性别男性或女性就是第一性。第二性是说有男性的确立，女性的确立，女性的月经和男性的喉结，他的确立就是一个非理性的，一个本能的冲动，会控制着整个青春期，所以我们要理解青春期的孩子，或者是青春期的自我，其实一个需要一种本能再认识，再肯定。所以说，人都有一个自我认识的过程，自我窥视的过程，伍德曼就拍了这样的一些作品。
倒数第二张图片是法国新浪潮电影《放大》中的剧照，这个电影是由米开朗基罗·安东尼奥尼拍摄的，他是法国新浪潮的著名的导演。大家有空也可以看一下他的作品。
后面这个就是伍德曼的自拍作品，充满了一种迷幻，一种恍惚的感觉。
第二个分享的内容是在第三章的第二节，会意和摆拍间千丝万缕的关系。
当摄影家在为家庭和社会做忠实的记录时，有些人对照相机这个机器产生的影像做了如下的评价：不是艺术家在作画，而是这个机器在作画。这些人里包括著名的法国美学家夏尔·勒·布伦和《恶之花》的作者夏尔·皮埃尔·波德莱尔。1872年以前，几乎没有一个人想到摄影真的有朝一日可以登上艺术的大雅之堂。这印证了这样一句话：科学再出色，如果没有艺术的引导，永远也没有存在的价值。
1851年，距摄影发明十多年之后，在伦敦水晶宫举办的世界博览会将摄影归入了机械厅中的哲学工具这一类。1859年，法国摄影家将以卡罗法拍摄的相片和平板印刷的作品挂在了一起。说明这个相片具有可复制性、可传播性。即便在21世纪，绘画专业的学生外出写生时拍的照片总是也要比画的多，这个现象说明，摄影确实存在着不可否认的实质：就是机械性，也就是我们常常说的它的真实可靠性。这个特征对于拍摄者来说有两面性，一方面是机械的精确和如实反映的现实，另外一方面是死板和没有生气。所以，摄影最早的存在的价值，是因为真实，可真实存在和机械性。
然而，从摄影的机械性出发，具有想象力的画家总会找到自己需要的东西。看到了没有？比如我这里提到的浪漫主义的绘画大师欧仁·德拉克洛瓦拍了大量裸女的照片并将其运用他的绘画里。要知道欧仁·德拉克洛瓦自由引导人民，他其实是通过照片而改写的。另外还有一个画家，卢鲁则把安静的形体摆成了挤奶女工或者是佛兰德斯画派种的人物。由此可见，这就是摆拍摄影最早由来，它一开始确实是画家为了追求画面精湛而借助摄影一种方法。摆拍摄影就因为这个原因，最后摆拍成为了一种摄影的方式。当时荷兰的维米尔画了很多关于中产阶级家庭的油画。因为荷兰是西方最早崛起的一个国家，最早运用了现代化，生产了枪，然后它又是荷兰海盗，又是一个扩张的国家，所以，中产阶级家庭特别多，维米尔就画了中产阶级，因此也名声大作。他的画特别像摄影，现在看来就是拍画摄影了，就是这个意思。维米尔的绘画很像是在精确地记录了拍摄的瞬间，而不是让颜料抹在画布上这个欢快的过程。
弥留之际
上面这些图，是这章的内容。刚才是讲到了德拉克洛瓦，他也拍了很多照片。还有维米尔，其实更早的时代，他们是用小孔成像来记录，然后再通过小孔成像这样的一个参照来进行绘画，也是最早的摄影的雏形。
能够把一个个毫不相干的东西，根据美学的构图放在一起，然后拍下来，经过暗房或者电脑的修改，最后形成了一张或者一组照片的人，如果不是具有美术情结，就是受了小说和诗歌的影响。
所以在堂吉诃德式摆拍的作品里，我们提到了亨利·彼奇·罗宾逊摄于1858年的《弥留之际》。他的构图，人物脸部，包括人物的姿态，哪个在前，哪个在后，哪个在左，侍女母亲和她的爱人，背对着她，就特别像小说的一种构图，这就是一种摆拍，那摆拍其实我们是非常讲究构图感的，均衡感，包括色块，包括各种的衣服，姿态，这些都是非常重要的。这是需要很多的美学基础。所以我这里提到了，包括《堂吉诃德在他的书房中》和雷兰德拍摄的《人生的两条道路》最大限度的体现了绘画中的构图和影调。其实，那个时候的摄影还不足以和绘画对抗，难怪会被归入机械厅展出。所以说摆拍给我们的感觉，它是尽可能的表现事物的细节，它其实跟我们之间是有一种疏离感的。它不像绘画那样，画家可以用自己的笔任意调配画面的人物和物体之间的光影。所以，大部分的摆拍作品看起来像绘画，但又没有绘画来的自然和流畅。
当然，我觉得摆拍作品，其实它有它的好处，因为它是拍出来的，所以某些时候需要一种疏离感，可能这种疏离感也正好是很多摄影师他所需要的东西，他不需要绘画那种有亲密感，他需要机器和人之间的距离感，摆拍作品正好有这种疏离感。所以说早期的摆拍作品呈现出既现实又具有荒谬的感觉。
摆拍具有的疏离感和它的虚构性，让人们在摆拍里面常常可以看到很具有一种会意，就是很具有一种诗性的作品。我列举了莎拉·莫恩，你们可以看下面这件莎拉·莫恩拍摄的作品。后面一件作品是那个英国摄影家卡梅伦的，这两件作品都是女性拍摄的，她们的作品就非常具有一种诗意性。
卡梅伦，40多岁以后才开始拍摄，所以我后来说，摄影跟天赋有关，跟你的修养有关，跟你所掌握的知识和你的经历以及你所接触到的各个面是有关系的。摄影也就像写书法，书如其人，摄影也如其人。卡梅伦的肖像作品，就没有这种摆拍的僵硬感，在摆拍与抓拍之间。这些作品不是在告诉你，”我尽可能的精确对了焦，我尽可能摆稳了相机“。从事摄影多年人，都会碰到这样的问题，按快门的时候，怎么样才能让手平稳，以拍出一张清晰的照片。这个问题，我想应该是100多年以前就提出来了，要不然为什么到现在绝大多数的相机都有防抖功能。其实，不论厂家和销售者，都是有意无意的在推销这样的一种理念，就是你只有拍出清晰的照片。才是一张好的照片。其实并不是如此，所以说，早在2007年给我的导师王冬龄先生拍摄写书法大字的时候，我拍了很多虚焦的照片，当时他就很奇怪的说：“怎么都拍虚了？”我说：“写字的时候人是在动的，我是要拍出运动的感觉。”所以说，一张好的照片，它跟清晰和模糊是没有关系，怎样去传达你所要传达的内容。
第三个部分是：女人控时间，男人控空间。书中的第四章第五节是92页。我们先把这个图发到前面来，大家先看一下。
这个章节，其实我每一章文字都不多，差不多2000左右，我从人类社会发展历史的角度去考察，为什么说“女人控时间，男人控空间”？因为我们人类社会从最早的原始社会，然后进入了农业社会，我们现在是从农业社会向工业社会过渡，那么农耕社会，其实是一个父系社会，男人外出打猎，准备一些木材造房子，他是从事外部的工作，是需要有一种拓展性的工作。然后，女人留在家里面，照顾孩子，进行纺织，料理家务。这样的话，男人势必有一个基因流传下来，就是天生对于方向感、空间感特别敏感。最好的例子就是学车。男人天生就是掌握着方向盘，对于宽度、高度、深度有精确的把握。比如，同样开车过一条很窄的路，那么如果是一个女司机的话，她可能通过会比较麻烦，而男性则不然，这其实是一个生理的原因，那么从这个方面来说，我说男人控空间。那为什么女人控时间？很多时候女人对于时间的精确性把握性要比男性更加的敏感，女性观察世界的方式，是一种直觉的感受力。而男性观察这个世界，是通过空间、高度、深度、维度和物体在空间中的一种运动和关系，来把控世界的。所以我这边就提到了，时间相对于空间来说是流动的，线性的，不可逆的。同样的物体，男性会怎么样，女性又会怎么样？女性感知是它的质地、质量和稳定性，是从物体承受力的角度来说的。
在这种不同的思维方式下，女性往往把物体比作自己，而男性则把自己设想成物体。你可以考虑一下这两个语词之间的关系。反过来说，具有强大承受力的物体也更柔软。所以，男性象征着坚硬，但相对脆弱；女性象征着柔软，貌似柔软，更具有强大力，就像水，它的柔软性，它的包容性，它其实更具有强大力，可以载舟，也可以覆舟。
所以在处理时间的问题上，恐怕没有比直觉更强大的武器了。所以摄影是时间的视觉艺术。女性有比男性更强烈的直觉。女摄影师在整个摄影历史上是非常非常的多，非常有成就，完全可以跟男性有一样的地位。我列举了莎拉·莫恩的作品中提到：“光是瞬息的，偶然的，脆弱的，它可见又不可见，可得又不可得。”然后这件作品，它是一个咖啡馆的作品，一种剪影里面，仿佛时光是在黑暗中，很迷幻的感觉，这种被时间催促的感觉，就像我们看见了一个女孩子，被她的美貌所撼动，也会不由自主的想到这美是稍纵即逝的。
莎拉·莫恩早年是个模特，后来转向做摄影，她的摄影作品是一种非常优雅的梦幻，一种法国的浪漫气质。
这里我还提到了另外几个女性，也提到了沃德曼和阿勃丝，包括坦尼逊她们的一些作品。
后面我又讲到了一个非常著名的时尚女性摄影师安妮·莱博维茨，莱布维茨是苏珊·桑塔格的女友。苏珊·桑塔格有一本著作叫《论摄影》。她和莱博维茨是一对恋人，她们都是女性，是一对女性恋人，然后，莱博维茨拍摄的东西更多的是一种空间感，控制空间感的场景。苏珊·桑塔格就跟她说，更希望能够拍出一些关于内心和直觉的作品。后来，她们合作出了一本叫《女人》的摄影集，是由苏珊提议的，里面集合了各种职业和年纪的女性。但是她可能就是由莱博维茨拍摄的，所以还是按照她的风格，似乎是一个男性的视角在看这些女性。确实凸显了苏珊所以一直关注的文化、身份和性别之间矛盾和依赖关系。
第四个内容是第五章的第一节-贵族和贫民。其实是通过一个人类学，通过关于希腊的酒神和太阳神的诉说，考量，来分析摄影师的创始。摄影从绘画那里分离出来的根本原因就是真实，摄影它真实，绘画不是真实，所以是奠定了摄影的地位。
我们说早期做摄影的大师，大多是实践主义者，他们是一个关于人物的记录，关于历史的记录，关于地貌的记录，关于景物的记录，是一个实证主义。所以说真的完全是我看见的那样吗？引发的关于科学的实证。那么我们就讲到最早的一个摄影作品，是在1826年，尼埃普斯拍摄了最早的一件摄影作品，是光的绘画，后人称为光画。
窗外景色 尼埃普斯（1826）
《窗外景色》这张照片是尼埃普斯用他自制的照相机花了八个小时拍摄的。尼埃普斯出身贵族，是非常有耐心的一个人，在他的一个小屋里边阁楼上，对着外面的景象进行拍摄的。他是拍在一块柏油的这样的一个沥青板上面的，然后再用生姜水熏香水给它进行后面的溶解，最后成为这样的一个作品，完全没有我们现在看到的摄影作品的这种精细感。
他这里说到：“因为绘画更多的是关于心理投射在视觉上的暗喻，所以尼埃普斯对于这张”光画“在技术上也不再做进一步的要求了，这非常清晰的反映了一个具有良好教养的画家的消遣心态，他是一个文人化的心态，所以他不想把它推广，也不想把它作为改良，后人总是很喜欢这张作品呈现的样子，人们永远对画面中的巨大阴影表现出深深的迷恋。
正因为这种文人画的贵族的质，给人很多的是关于想象，关于梦幻，关于一种追求的思考，而不是清晰，也不是辩解。这就是为什么一张摄影作品，有时候比画一张画所需要的时间和精力更多。
我们再看一下和尼埃普斯相对的这个人物——达盖尔。是达盖尔发明了摄影术。速度总是和方便结合在了一起，速度使得传播更广泛，使艺术变得普通，普通就是平民化，摄影平民化的角度来说，发展到今天，摄影就变得非常便捷了。我们这里考量了一下，尼埃普斯是一个瘦长脸，达盖尔是一个高耸的颧骨，饱满的额头和具有雄心的眼神透过这张脸可以看到他向往成为的野心。
看到这张脸还会令人想到法国历史上的一位传奇的人物：拿破仑。然后我这边又从外貌上比较达盖尔和拿破仑他们之间的一些关系，其实这些都是一种影像给到我们的另外的一些启示，所以，我在这里又提到了弗里德里希·威廉·尼采在《悲剧的诞生》里谈到的酒神和太阳神，他认为前者代表浪漫和悲剧，后者代表理性和喜剧。悲剧这种具有神秘主义倾向的剧种总是给人以浪漫的暗示，因为我们无法知晓小船在波涛汹涌的大海里最终的归宿。就好比那个贵族人，他有一种忧郁的气质，而平民人他具有一种太阳神的理性，如何变现的气质。
这个《摄影启示录》具体的这个四部分就分享到这里。接下来，给大家放一下关于我最近做的几个视频的小短片，然后我给大家稍微的分析一下我的作品。
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这件作品是我的一个影像作品，这个影像拍的夏天蝉蜕，拍的这个蝉壳，然后看到它里边还有风中之竹。这是拍我家门口窗台上的蝉壳，里面放了风俗的摄影，跟影像结合，又加上了我的水墨。这个是72侯一件影像作品，最后做成了这一个小短片。我在上面就是进行绘画，这样结合着我的一个诗歌，上面写着我的诗歌。这个小短片怎么做，怎么样去裁剪，怎么样调色，做出一个比较具有氛围感的短片的视频，大家也可以去尝试一下。
我下面再放一个我的书法的小视频。
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视频详情
大家看一下，这个视频是用手机拍的，当时是白天，拍的很短的一段，然后把它剪辑下来，配上水中波光的短视频，两个视频叠加的。这种效果做来也是蛮简单的，只是你要考虑怎么样去调色，怎么样剪辑，还需要有一些美的欣赏的能力。我这本《摄影启示录》其实是给大家开了一个口子，让大家从哪儿入手，去提高自己所缺的一些东西。
大家可以看到，其实原片是这样的，是一个白天，很普通的一个场景，这些视频稍微有点压缩。具体就是这样，然后你们可以看到我是怎么样剪片子，只要剪最主要的那些动作的起，然后动作收。后面是我们手机上都有自带的调色，怎么样把缝纹管增强，颗粒感，后面是暗角增大，最后可以叠加。大家可以尝试一下。
这些小短片和我的一些分享都是在我的小红书号上。我大概是从今年七月份开始正式做小红书。在剪辑、拍摄中，运用了摄影之外的东西，包括美学，光感，心理学，还有一些社会学这些东西。我的小红书和公众号，里边都会有近期的一些展览资讯，我的作品，访谈都会有，大家可以关注。
今天分享到这里，感谢大家。